Dinner with Robbe-Grillet in Naples

Dinner with Robbe-Grillet in Naples è un sensazionale percorso nel labirinto della contaminazione linguistica. Il cortometraggio, scritto, diretto e montato da Daniel Rothbart, artista multidisciplinare e scrittore, autore di straordinarie installazioni e sculture che sperimentano l’inserzione del fantastico e dello spaesamento onirico nella apparente linearità dello spazio ordinario, esplora in soli 26 minuti, attraverso i commenti e le profonde riflessioni dello scrittore Wayne Koestenbaum, lo stretto legame stilistico e tematico fra le opere di Rothbart ed il Nouveau Roman di Alain Robbe-Grillet, Delphine Seyrig, Marguerite Duras ed Adolfo Bioy Casares, tendenza letteraria che a sua volta confluì in alcune pellicole della Nouvelle Vague, in particolare in quel L’anno scorso a Marienbad (1961), scritto da Robbe-Grillet e diretto da Alain Resnais, che avrebbe letteralmente rivoluzionato la visione cinematografica. Dunque, scultura, letteratura, saggistica, architettura, fotografia, cinema, l’una confluente nell’altra, e, in qualche modo, dirompente rispetto all’altra: perché i limiti fra i diversi linguaggi vengono continuamente infranti, e ciascuno si spiega e si delinea solo in base al suo intreccio, al suo rispecchiamento, alla sua deformazione nell’altro. Proprio per la sua complessa rete di rimandi, il film ha una struttura apparentemente semplice: Koestenbaum narra e commenta, in primi piani e mezze figure tipiche di un’intervista da documentario, le relazioni esistenti fra le sculture di Rothbart, di cui vediamo improvvise panoramiche aeree che sembrano farle emergere dal contesto naturale che le accoglie, e l’area di pensiero del Nouveau Roman e del Surrealismo, stringendo poi l’attenzione sull’opera cinematografica che maggiormente avrebbe ispirato l’immaginario dell’artista, L’anno scorso a Marienbad, di cui vengono proiettate alcune immagini iconiche alle spalle del narratore Koestenbaum, o montate alcune celebri sequenze labirintiche, quei corridoi, quelle statue e quegli specchi che hanno avuto per Rothbart una doppia funzione simbolica: rappresentare l’apice del discorso di Robbe-Grillet al cinema e richiamargli alla memoria la città in cui ebbe la fortuna di incontrarlo a cena nei primi anni ’90, Napoli. Il castello in cui fu girato il film di Resnais ricorda infatti alcuni interni del Palazzo Reale napoletano, e così le leggende e i vicoli della città sembrano adeguarsi perfettamente ad alcuni topos della nuova letteratura francese, come il mostruoso ed il fantastico. E così l’intreccio e la contaminazione proseguono all’infinito, senza soluzione di continuità o limiti apparenti, come i labirinti e gli specchi nel film di Resnais, che rimandano al multiformità delle relazioni temporali. Ed ecco un altro tema che sembra perfettamente adeguato alla città partenopea: il tempo e la sua sfuggente natura. Napoli è un luogo in cui il tempo si frantuma nella memoria, prima ancora che nella storia. Lo scivoloso corridoio di Marienbad vive la stessa ambiguità temporale: i personaggi si ritrovano e si perdono in un interrotto flashback che non si limita a riflettere sulla sfuggente natura del tempo, ma che, come ebbe a dichiarare Gilles Deleuze, rende letteralmente l’immagine cinematografica immagine-tempo, cioè fotografia che prova a catturare il senso stesso del tempo, il suo disporsi non su una convenzionale linea passato-presente-futuro, ma su un firmamento di attimi sgretolati, su un magma esploso di istanti non conducibili ad una matrice consequenziale e logica. Cinema poetico, almeno in partenza. Ma cinema che ha anticipato persino alcune evoluzioni della fisica quantistica, che pure hanno svelato del tempo quella stessa particolarità, come aveva fatto, a sua volta, il filosofo Bergson. E il tempo si muove sinuoso anche nelle sculture di Rothbart, oltrepassando i limiti della logica. Un piccolo capolavoro, dunque, il cortometraggio di Rothbart, impreziosito dalla Fotografia di Alan Raymond, e da una scrittura che riesce sapientemente a tenere insieme, in pochi minuti, tutta questa enorme materia di riflessione.

5 QUESTIONS

- to get to know the Director -

Daniel Rothbart

What messages do you want to convey with Dinner with Robbe-Grillet in Naples?
I had the good fortune to cross paths with Alain Robbe-Grillet while living in Naples during the early 1990s. The occasion was an international conference on the fantastic. Professor Romolo Runcini of the Istituto Universitario Orientale in Naples invited me to install an installation of my sculptural work, inspired by the theme of the
cosmic tree, in Palazzo Corigliano where the conference was taking place. I had the pleasure of dining with Alain and Catherine Robbe-Grillet and Romolo Runcini after the first day of sessions. I want to convey a number of things with the film. One is how this chance encounter influenced my own trajectory as a visual artist. Runcini’s reflections on the fantastic in art and literature as a response to political and social upheavals are also timely and interesting. Another chance encounter described in the film is with Wayne Koestenbaum. In Dinner with Robbe-Grillet in Naples, Koestenbaum parses the work of Alain Robbe-Grillet, Marguerite Duras, Adolfo Bioy Casares, and revenant Surrealism in relation to my studio practice. His musings have universal appeal and
also reflect our friendship as two artists, who address similar themes, but in very different ways.

How did you start making movies?
I collaborated with cinematographer Jason Banker on a super 8 short titled Pollen. Jason and I met at our day job and decided to animate my sculptures with stop-frame photography. Banker attributed fanciful movements to my sculptures which, in his hands, began to rotate, spin, crawl, and levitate. Throughout the film, in their exuberance, the sculptures generate “pollen,” for which we used dyed cotton. Over time, the pollen becomes an independent, malevolent force that envelopes and consumes the sculptures.

Do you always have clear ideas when you are on set? How much importance do you
give improvisation versus planning?
I regard cinema as a collaborative project and value spontaneity and improvisation. I’ve also been blessed to work with very talented people in my films who bring their own perspective to a project. After our collaboration, Jason Banker went on to do the digital effects for Tarnation and direct several feature films. Academy Award-winning documentary filmmaker Alan Raymond did the cinematography for Dinner with Robbe-Grillet in Naples. As both artist and writer, Wayne Koestenbaum is perhaps the most original and creative voice of his generation. Indeed, it was Koestenbaum’s idea to silently project Last Year at Marienbad in the background during his
improvised musings. I plan scenes attentively but also value dialogue with my carefully-chosen collaborators and welcome the unexpected.

How do your digital collages relate to your work as a film director?
As a visual artist, I’ve worked with film stills in my digital collages since the early 1990s. These early works draw source material from the films of Hedy Lamarr, science fiction, and biblical epic movies that were popular in the 1950s. I saw opportunities to integrate my sculptures into these images through a process that subverts and transforms their original meaning. When I graduated to filmmaking, the sculptures continued to play a prominent role, but now I could shape their environments with the tools and artifice of cinema. In retrospect, filmmaking seems like a natural extension of my digital collage work.

What kind of relationship do you have with the grammar of cinematographic language? How do you decide which shot to use in a scene, or what camera movement to apply to achieve your goal?
At first, I used video as a simple tool to document my performance work and sculptural installations. While collaborating with German filmmaker Joachim Gerich on Everything Flows, Nothing Stands Still (For Enrico Pedrini), a film with underwater sequences, I came to appreciate the abstract potential for image making with film. Alan Raymond encouraged me to acquire a full-frame DSLR camera and, soon thereafter, I began to experiment with different focal lengths of prime lenses. I continued to explore the liquid imagery in WATERLINES, my 2014 choreography for two canoes and floating sculpture in the Gowanus Canal in Brooklyn. I’m currently collaborating with Italian actor Carlo Giuliano on a film that juxtaposes his reading of
Dante’s Canto of Ulysses with footage of my floating sculptures in the Hudson River and a nearby lake. For this work I used drone footage, GoPro sequences shot underwater with a monopod, and shots from the riverbank with prime lenses of different focal lengths. I find that color grading, altered film speed, and found audio can be highly expressive tools. Filmmaking, like opera, is a gesamptkunstwerk, that unites artistic idioms. Sound, music, painting, sculpture, and drama coalesce in this form. There are many opportunities for technical and conceptual experimentation that lead to new discoveries.